Brillaban las estrellas...

Puccini representa la culminación de la larga historia de la ópera italiana y hace comenzar el S.XX con el germen de un nuevo lenguaje musical, que tardaría décadas en ser reconocido por los músicos de vanguardia.

En su obra Tosca intriga, violencia y pasión se mezclan en una historia en la que no se suaviza nada, sino que se potencia el efecto dramáticos haciendo aparecer en escena desde el asesinato hasta el suicidio pasando por el fusilamiento y la tortura. Podrían ser los ingredientes de una película de gran éxito de taquilla hoy en día, pero también para el público italiano de los primeros años del S.XX tenían su interés, sobre todo estando subrayados por la emocionante música de Puccini

El complejo argumento de Tosca puede resumirse en sus hechos centrales: la protagonista revela involuntariamente una pista sobre el escondite de Angelotti, cónsul de la república al que busca la policía, pero quien acaba siendo detenido es su amado Cavadarossi. El jefe de policía Scarpia, el hombre más temido de Roma, pide a Tosca que se entregue a él a cambio de la libertad de Cavadarossi; Tosca se niega, pero para que no torturen más a su amado revela el escondite del cónsul obteniendo al final un salvoconducto (que el público sabe que es falso, pero ella no) para liberar al detenido; cuando Scarpia se dispone a cumplir su parte del trato ella le apuñala.

En el último acto y antes que pasen a buscarlo para su inminente ejecución, Mario Cavadarossi recuerda los momentos vividos con Tosca; ella aparece con el falso salvoconducto y le cuenta que cuando lo fusilen, el fuego no será real y podrán huir. Pero la ejecución se produce y ella descubre con horror que su amado ha muerto; antes de ser arrestada por los hombres de Scarpia, huye y se quita la vida tirándose al vacío desde un torreón.

En la siguiente animación podemos escuchar el aria E lucevan le stelle (Y brillaban las estrellas) en la que Mario antes de su ejecución recuerda los bellos momentos vividos con Tosca. En el vídeo aparecen los personajes más relevantes de la historia y momentos, detalles y situaciones que se dan en la ópera. Tomad buena nota de ellos para completar el comentario de audición que haremos en clase.

Y más allá de la tragedia...disfrutad de la música de Puccini.

E lucevan le stelle... Y brillaban las estrellas,

Ed olezzava la terra... Y olía la tierra,
Stridea l'uscio dell'orto... Chirriaba la puerta del huerto,
E un passo sfiorava la arena... Y unos pasos rozaban la arena...
Entrava ella, fragrante, Entraba ella, fragante,
Mi cadea fra le braccia... Caía entre mis brazos...
Oh! dolci baci, o languide carezze, ¡Oh, dulces besos! ¡Oh, lánguidas caricias,
Mentr'io fremente Mientras yo, tembloroso,
Le belle forme disciogliea dai veli! Sus bellas formas desataba de los velos!
Svanì per sempre il sogno mio d'amore... Se desvaneció para siempre mi sueño de amor...
L'ora è fuggita... La hora ha pasado...
E muoio disperato! ¡Y muero desesperado!
E muoio disperato! ¡Y muero desesperado!
E non ho amato mai tanto la vita!... ¡Y jamás he amado tanto la vida!
Tanto la vita!... ¡Tanto la vida!

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Romanticismo vocal

Primera entrega de las audiciones del Romanticismo. Comenzamos con siete piezas de música vocal sobre las que estamos trabajando en clase ya sea mediante comentarios de audición o mediante interpretación instrumental. Os recuerdo que debéis memorizar títulos y autores, o sea que no es suficiente con tararear, que ya sé que las conocéis todos.<>

"Casta diva" de la ópera Norma de Bellini.

"Va pensiero" de la ópera Nabucodonosor de Verdi.

"La donna è mòbile" de la ópera Rigoletto de Verdi.

Brindis de La traviata de Verdi.

Habanera de Carmen de Bizet.

Cabalgata de las walkirias de La Walkiria de Wagner.

Canción de cuna. Lied de Brahms

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Tres siglos con Giovanni

No sabía la que iba a montar en París. Ni más ni menos que la "querella de los bufones", debate artístico muy acalorado que dividirá, allá por el año 1752, a la crítica musical parisina en partidarios del serio estilo de la ópera francesa de la corte, contra defensores de una ampliación de horizontes musicales con un estilo más cómico, abierto y espontáneo, como el que representaban los italianos.
Ya había muerto algunos años atrás, pero su música, su intermedio La serva padrona, al reestrenarse en Francia en la Academie Royale suscitó una polémica de obligada mención en la historia de la ópera barroca. Y hoy hace 300 años que nacía en un pueblo italiano (como Marco) el "culpable"de esta renovación de la ópera francesa: Giovanni Battista Pergolessi.


La serva padrona es la única ópera de Pergolessi que continúa en el repertorio. La historia que nos cuenta se desarrolla en Italia durante el S. XVIII; la sierva y "señora, ama" es Serpina, criada de Uberto, que duda sobre si quiere casarse con ella por amor o por lástima. Para comprobar la naturaleza de los sentimientos de su señor, Serpina los pone a prueba haciendo pasar a otro criado por pretendiente suyo. El gran éxito de esta obra es que lejos de los rígidos argumentos de las óperas francesas de la época, cualquiera podía identificarse con alguno de los personajes y el espectáculo musical pasaba a tener un cariz cotidiano que el público, sin duda había echado en falta en unas óperas en la que lo cómico y lo cotidiano no tenían cabida. La historia comienza con la siguiente escena:

(Dormitorio. Uberto, todavía sin vestir)
Esperar y que venga,
estar en la cama y no dormir,
hacer el bien y que no lo agradezcan,
son tres cosas que me matan.
¡Esto es una desgracia! Ya llevo tres horas esperando,
y mi criada no tiene a bien traerme el chocolate,
y yo tengo prisa por salir.

Y otro pasaje donde aparece el pobre Uberto acaloradísimo porque los criados le toman el pelo todo lo que quieren:

(a Serpina) Siempre discutiendo contigo estoy.
Aquí y allí, arriba y abajo, que sí, que no.
Pero ya es bastante, se debe acabar.
(a Vespone)¡Qué te parece?
¿He de enfadarme?Señor mío, no.
(a Serpina)Pues deberás llorarpara siempre tu desgracia,
y entonces dirás que te está bien.
(a Vespone)¿Qué dices tú?¿No es así?
¡Ah!...¿qué?... ¿no?... ¡sí!,
Así me va!

Pergolesi también escribió música sacra; su Stabat Mater fue la obra más impresa y editada del S.XVIII y fue adaptada por muchos compositores, incluido el gran Bach. Sólo ventiséis años de vida y tres siglos ya disfrutando de su música. ¡Feliz cumplesiglos Giovanni!

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Sacrificios musicales

La mezzosoprano Cecilia Bartoli ha grabado un nuevo disco. En este trabajo nos presenta quince piezas escritas para ser interpretadas por "castrati", niños que eran castrados para que su nuez no creciera y pudieran así cantar los registros agudos de las mujeres.

Durante mucho tiempo, y sobre todo en Italia, miles de niños eran sometidos a una peligrosa operación para conseguir una voz con un timbre mágico para hacer las delicias de los aficionados a la ópera, convirtiendo a algunos de ellos en verdaderas estrellas. "Sacrificium" recoge además textos, dibujos y fotografías que forman parte del trabajo de investigación que Bartoli ha realizado para grabar este disco.

En Nápoles, eran castrados al año de 3.000 a 4.000 niños procedentes de familias muy pobres. Pero sólo un pequeñísimo porcentaje podía desarrollar una carrera musicalde éxito. Para el resto el sacrificio no servía de nada y muchos de ellos quedaban en vano mutilados de por vida.

Bartoli ha explicado en encuentros con la prensa que su intención al abordar este proyecto ha sido poner de manifiesto la crueldad de un sacrificio tan grande en nombre de la música. " El disco reúne un repertorio que da muestra de la belleza de una música que sólo pudo existir gracias a un sacrificio cruel".

"Es un desafío increíble para una mujer, porque es una música escrita para un cuerpo masculino, cuyos músculos abdominales son más fuertes. Farinelli podía cantar veinte compases sin respirar", ha explicado la cantante. Cecilia Bartoli llevará este repertorio a los escenarios españoles (Barcelona, Madrid y Murcia) el próximo mes de diciembre.

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Dos millones de euros

A lo largo del curso hemos hablado en muchas ocasiones de ópera, un espectáculo que aúna música, poesía y artes plásticas, y que al contrario de lo que ocurre en el resto de Europa, en España parece reservado a unos pocos. Sin embargo, encontramos cada vez más frecuentemente arriesgadas apuestas que resultan muy atractivas para el público y nos acercan cada vez más a este espectáculo musical.
Es abrumador intentar imaginar todos los parámetros que hay que controlar en un montaje operístico, pero nos podemos hacer una idea aproximada sabiendo que el último Rigoletto, estrenado en el Teatro Real de Madrid el día 2 de Junio, ha costado ¡dos millones de euros!


Para intentar comprender cómo es una ópera entre bastidores y cuál es el destino y justificación de esas cifras que se nos escapan, es interesante el reportaje que aparece en El País con fragmentos de los ensayos, pruebas de vestuario, montaje de escenografías y entrevistas con los cantantes. Hay fotografías preciosas y fragmentos musicales que seguro que reconocéis. Y al verlo, los precios parecen ajustados y todo. Pincha aquí

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La ópera sobrevive

La ópera gana público en los últimos años. Parte de la culpa la tienen los directores de escena, que han renovado los montajes. Pero ¿cómo afecta esto a los cantantes? Algunos nos cuentan su experiencia en El País (16-5-09):

El mundo de la ópera hace 30 años, vivía una preocupante decadencia y se había convertido en un mundo cerrado condenado a soportar los caprichos de los divos. En los últimos años los directores de escena atrevidos han acercado y renovado el interés por la ópera entre un público más amplio.


Esto a la larga, ha hecho sobrevivir al género dotándolo de más espectacularidad, pero esos mismos directores deben respetar, además de la partitura, cuestiones físicas. No se puede cantar en según qué condiciones o posturas. Son muchos los intérpretes que se quejan : "En los 10 años que llevo de carrera, el poder de los directores de escena ha ido en aumento... No tienen en cuenta que lo más importante es que se escuche la voz y si estás subida a una escalera a punto de caerte igual no es lo más apropiado. Es necesario respetar la profesionalidad de los que están en el escenario", asegura Mariola Cantarero. Los cantantes de las generaciones más jóvenes están más abiertos. Ellos han convivido con las propuestas arriesgadas y las recreaciones con naturalidad.

La era audiovisual ha cambiado también radicalmente el concepto de la ópera. Los divos de hoy están permanentemente expuestos. Muchos se entregan a ello, como Karita Mattila, que cantó Katia Kabanova rodeada de agua y sobre cajas de madera. "Estuve a punto de tirar la toalla porque la mayor parte de mi actuación la pasaba empapada y podía perder el equilibrio. El agua no estaba fría, pero cuando llevas horas mojada, lo único que deseas es salir corriendo", aseguró Mattila cuando estuvo en Madrid. A esta cantante no le importa aparecer desnuda en escena. Pero, para ello, se prepara. Estuvo dos meses acudiendo a diario al gimnasio y recibiendo clases de baile para hacer una Salomé en el Metropolitan. "Me cuesta perder kilos, pero si un director me lo pide y me gusta el papel, lo hago".

José Manuel Zapata, tenor, ha llegado a disfrazarse de abejorro para un montaje de El barbero de Sevilla . El ambiente en el equipo fue estupendo. Divertido. La propuesta en Basilea gustó al público y llenaron 25 funciones. “De lo que se trata es de no herir sensibilidades. Los cantantes de ópera no podemos cerrarnos, hay que escuchar y probar".

A veces los cantantes son rechazados por su físico y más después de que las discográficas hayan empezado a apostar por el negocio de los DVD y las retransmisiones en cines: el aspecto físico puede imponerse frente a la calidad musical y la ópera podría caer en el falso glamour de las pasarelas.

La tentación de ampliar públicos a cualquier precio tiene sus consecuencias. El público de la ópera todavía es muy conservador y quiere que la protagonista de La traviata muera en la cama y no en un balcón", afirma Antonio Moral. Aun así, la cosa está cambiando, opina Calixto Bieito: "Hay dos tendencias claras, la conservadora, que todavía existe, y quienes quieren ver cosas nuevas, que son cada vez más". Pero no hay que asustarse ante las protestas de los más reacios a la renovación: "Los abucheos se oyen más que los bravos, pero no por eso son más numerosos ni hay que darles más importancia".

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Ópera y canelones

El fragmento anterior es la obertura de una de las óperas que dio fama a Gioacchino Rossini (1792-1868). Nacido en Pésaro (Italia) es uno de los más populares compositores de ópera del S. XIX. Sus éxitos con El Barbero de Sevilla (1815) y sobre todo con Guillermo Tell (1829), fueron tan grandes que se pudo permitir el lujo de descansar de la composición para dar rienda suelta a su verdadera pasión : la gastronomía .

Era tal su fervor por la buena mesa que se dice que en toda su vida lloró únicamente en dos ocasiones: a la muerte de su padre, y cuando se le cayó por la borda del barco un pavo trufado. Situación comprensible, si tenemos en cuenta, que para Rossini la trufa era "el Mozart de las setas".
Dicen que era tal devorador de macarrones, que al parecer se gastó una fortuna intentando montar una máquina para hacerlos . Aseguraba que para cocinarlos era imprescindible una pasta de calidad, una mantequilla excelente, buena salsa de tomate y un sabroso queso parmesano. Tras cocer la pasta, y una vez que los macarrones quedaban lo suficientemente grandes, casi como canelones, les inyectaba foie-gras con una jeringuilla y los volvía a poner a calentar al horno Ésta es la receta inspiradora de los Canelones que en todas las cartas de los restaurantes se denominan Canelones Rossini.
Para Rossini el sábado era una día excepcional, pues invitaba a cenar a dieciséis personas a su casa. Los invitados debían vestirse con traje de gala, mientras él utilizada una zimarra (especie de sotana larga) y su corbata iba mantenida con un broche de un medallón de Haendel. El esmero que Rossini ponía en estas cenas, se reflejaba no sólo en las especialidades culinarias que servía, sino también en el refinamiento de la vajilla y de la decoración de la casa. Su esposa Olimpia jugaba un papel muy importante en estas cenas; ella asistía con una gran dignidad y pretendía ser honrada igual que su marido; sólo era necesario que alguno de los invitados no le devolviese un cumplido para ser borrado de la lista del siguiente convite.

Por si alguno se anima a emular a Rossini (haciendo canelones, no componiendo música) aquí están los secretos de su "obra maestra":

CANELONES ROSINNI
El relleno de carne se debe hacer salteándola con foie fresco, en una proporción de un 20 por ciento de la carne, algo de trufa y dos "gotas" de vino dulce.
La bechamel se ha de hacer aprovechando la grasa que queda en la sartén tras saltear la carne picada, el foie y la trufa.
Ya con los canelones en el horno, con el parmesano rallado por encima, a medio tiempo, espolvorearemos por encima un poco de ralladura de trufa.

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La ocasión lo merecía

Las obras de excavación del canal de Suez se iniciaron oficialmente el 25 de abril de 1859, con la autorización de las autoridades egipcias de la época, y fue inaugurado en 1869.
Para la ocasión, el compositor Giuseppe Verdi compuso la ópera Aída; por este trabajo Verdi cobró una buena suma de dinero, que vino a reforzar su más que saneada economía.

Dado que el canal atravesaba territorio egipcio, Verdi eligió una historia ambientada en la época de los faraones: narra la historia de amor entre Aida, una princesa etíope, pero esclava en Egipto, y Radamés, militar egipcio y comandante de las fuerzas que ocuparon la tierra de Aida. A este amor se oponen Amonasro, padre de Aida, que exige venganza, y Amneris, hija del faraón, que también ama a Radamés.
Una de las partes instrumentales de la ópera (la Marcha Triunfal "Gloria all`Egitto" ) es frecuentemente usada por los aficionados en los estadios de fútbol como cántico.

Verdi empleó un estilo monumental: cuatro largos actos, coros, ballets y escenarios colosales. Por ello, la ópera no fue bien recibida en Italia, donde se prefería un estilo operístico más intimista y menos espectacular.

Otro ejemplo más de cómo la música no se puede perder ningún acontecimiento, aunque éste parezca de una naturaleza tan distinta a ella, incluso en el S.XIX, tan romántico él. Por si no tenéis muy claro dónde está el canal de Suez y su importancia para el comercio mundial aquí tenéis el mapa. Podéis comprobar que la ocasión merecía una buena ceremonia de inauguración. Más que una olimpiada.

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Lascia ch'io pianga.Canta Farinelli.

Lascia ch’io pianga

La dura sorte

E che sospiri la libertà.

Si escuchamos Lascia ch’io pianga viendo las imágenes que en la película Farinelli, il castrato acompañan a este framento de Rinaldo, podemos comprender algo muy importante sobre la ejecución musical: el intérprete debe transmitir un sentimiento auténtico y es entonces cuando el espectador realmente "escucha" la música, cuando comparte con el cantante, con el pianista, con el músico, un momento de carne de gallina, de algo en el estómago, en la cabeza...algo que no sabemos explicar. Transmitir emociones. Ése es el papel del músico.

Parece que poco sentimiento se puede añadir a una de las más conmovedoras arias que escribió Haendel, pero las imágenes lo consiguen. Vemos reflejados en la mirada del protagonista el dolor, la rabia y la dignidad que estamos escuchando. La solemnidad y la contención del acompañamiento orquestal parecen un freno del que la voz quiere escapar continuamente. Pero al final alcanza esa libertad, y entonces somos capaces de "entender" la emoción con la que se compuso y con la que se interpreta. Emociones que se desbordan al final en una acrobacia vocal como si hubiésemos contenido las lágrimas durante mucho tiempo y no nos fuera posible retenerlas más.

La emoción. Quien no la percibe (y la ve) en la música, no tiene alma.

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Se vuol ballare...il chitarrino le suonerò

Figaro y Susanna, su prometida, criados del Conde de Almaviva, están ultimando preparativos para su boda: él está tomando medidas de la habitación que ocuparán al casarse, para comprobar que el lecho nupcial quedará bien dentro del cuarto que les ha cedido su patrón, y le comenta que no podían haber obtenido un lugar mejor, ya que están muy cerca de los aposentos de sus señores y así podrán atenderlos de inmediato cuando éstos los llamen. Susanna no quiere que se coloque la cama en esa habitación, ya que ésta tiene un fin estratégico: está cerca de la del Conde, que se opone a su matrimonio y la corteja.

Figaro, al quedarse solo, cuando Susanna se retira a atender a la Condesa, se muestra furioso, y piensa entonces que si el Conde de Almaviva quiere bailar (Aria: Se vuol ballare), sólo lo hará al son que él toque.

Las Bodas de Fígaro es una ópera bufa de Mozart. Vamos a escuchar el aria de Fígaro, un bajo, ya que canta en una tesitura muy grave. El aria comienza con el fragmento que conocemos por haberlo tocado en clase (Se vuol ballare...) y concluye con el mismo fragmento, por lo que nos encontramos con un aria da capo, es decir, que finaliza con el comienzo.

Como está traducida, no os costará seguir el texto. A ver si os gusta.

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